După mai bine de două decenii și jumătate de absență din capitala italiană, Vassily Kandinsky revine la Roma printr-o expoziție monumentală.

De Irina Gologan

În perioada 15 septembrie 2026 – 14 februarie 2027, peste 70 de capodopere ale maestrului rus ocupă spațiul istoric al Palatului Bonaparte din Piazza Venezia, oferind publicului o perspectivă completă asupra operei care a redefinit arta secolului XX.

Prilejul acestei retrospective este unul cu totul special. În timp ce celebrul Centre Pompidou din Paris își pregătește ușile pentru un amplu proces de renovare ce va dura câțiva ani, tezaurul său de artă modernă își începe un itinerar internațional, iar Roma devine prima oprire a acestui traseu expozițional. Proiectul este organizat de Arthemisia în parteneriat exclusiv cu instituția pariziană și este curatoriat de Angela Lampe, expertă internațională în opera artistului. 

Conceptul expoziției prezintă legătura strânsă dintre muzică, teorie și pictură, pornind de la ideile exprimate de Kandinsky în lucrarea sa din 1910, Despre spiritual în artă. Pentru artist, culorile erau asociate direct cu sunetele: galbenul intens era echivalent cu sunetul înalt al unei trâmbițe, în timp ce albastrul profund evoca tonul grav al unui violoncel. Pasiunea sa pentru muzică devine astfel firul călăuzitor al întregului traseu expozițional, structurat în cinci secțiuni distincte. Sălile elegante ale palatului de secol XVII pun în valoare formele geometrice și cromatica vibrantă a tablourilor, ordonate în funcție de marile etape din cariera sa.

Vizitatorii pot urmări evoluția artistului de la decizia sa de a abandona cariera de avocat la Moscova pentru a studia pictura, trecând prin primii ani de la München și fondarea grupului Der Blaue Reiter, până la perioada în care a predat forme precise și linii la școala Bauhaus și anii de maturitate petrecuți la Paris. Traseul reunește pânze fundamentale din colecția constituită în urma donației făcute de văduva artistului, Nina Kandinsky, printre care se numărul lucrări majore precum Muchiile negre (Das schwarze Bild, 1912) și celebra Galben-Roșu-Albastru (Gelb-Rot-Blau, 1925).

Un element de noutate adus de această retrospectivă este atenția acordată pictoriței Gabriele Münter, partenera lui Kandinsky din perioada germana. Prezența lucrărilor sale în expoziție redă publicului contribuția esențială pe care această artistă a avut-o la dezvoltarea avangardei europene. De asemenea, sunt expuse pentru prima dată obiecte personale și unelte folosite de Kandinsky în ultimul său atelier din Paris. 

Pe lângă pânzele spectaculoase, expoziția include fotografii de epocă, scrisori personale și documente rare din arhivele Bibliothèque Kandinsky. Experiența este completată de ghiduri audio interactive, proiecții digitale și o sală sonoră imersivă, concepute special pentru a ajuta vizitatorii să înțeleagă mai bine modul în care muzica i-a inspirat picturile.  Palazzo Bonaparte este deschis zilnic.

The post Simfonia abstractă: Kandinsky revine la Roma appeared first on Forbes Romania.

Pe 1 octombrie 2026, New York City Ballet revine cu una dintre cele mai importante fuziuni culturale ale anului: gala anuală Fall Fashion Gala. Lumea dansului clasic și universul haute couture își dau din nou întâlnire la Lincoln Center pentru a demonstra cum baletul și moda se pot influența reciproc într-un spectacol de nivel înalt.

De Irina Gologan

Toamna newyorkeză nu începe cu adevărat până când treptele de la David H. Koch Theater nu devin cel mai vizionat podium de modă din lume. Conceptul, lansat în anul 2012 la inițiativa actriței Sarah Jessica Parker, a reușit în ultimul deceniu să strângă peste 37 de milioane de dolari pentru susținerea companiei de balet. De-a lungul anilor, nume reprezentative precum Valentino, Thom Browne, Giles Deacon sau Iris van Herpen au creat costume dedicate pentru balerinii din Manhattan.

Ediția din acest an promite să mențină același standard ridicat, oferind un dialog vizual impresionant. Notat deja de publicația Vogue drept unul dintre reperele vizuale incontestabile ale toamnei, programul galei conturează o seară de o eleganță aparte. Punctul principal al spectacolului va fi o nouă producție creată de coregraful rezident al ansamblului, Justin Peck, pentru care designerul britanic Simone Rocha va aduce pe scenă estetica ei plină de volum și textura dantelăriei sofisticate. În plus, seara va include premiere mondiale coordonate de coregrafele Jennifer Archibald și Alysa Pires, ale căror viziuni vor fi îmbrăcate în creațiile avangardiste ale casei Viktor&Rolf și în formele sculpturale semnate de Robert Wun.

Dincolo de lumina reflectoarelor, magia galei prinde viață în atelierul propriu de costume al trupei, condus de Marc Happel. Echipa de croitori lucrează îndeaproape cu creatorii internaționali pentru a adapta ținutele haute couture la cerințele riguroase ale baletului profesionist. Aceștia reușesc să transforme materiale complexe, corsete rigide sau fuste ample în costume flexibile și rezistente la efort scenic intens, fără a compromite viziunea artistică inițială. Tocmai această dimensiune tehnică transformă seara într-un eveniment cultural complet. Spre deosebire de o prezentare clasică de pe un podium de modă, gala îmbină reprezentația scenică, recepțiile oficiale pe terasa Lincoln Center și petrecerea caritabilă de tip black-tie, unde se reunește elita din modă, film, artă și afaceri.

Marea provocare rămâne îmbinarea spectaculosului cu funcționalitatea: cum transformi o creație conceptuală de podium într-o ținută în care un balerin se poate mișca în voie și își poate executa piruetele fără restricții. Atunci când viziunea unor case precum Robert Wun sau Viktor&Rolf este adaptată la dinamica dansului, rezultatul redefinește granițele dintre performanța fizică și arta vestimentară. Lumina reflectoarelor se extinde, bineînțeles, și pe covorul roșu. Fiind sufletul acestui proiect și vicepreședinte al consiliului de administrație al baletului, Sarah Jessica Parker transformă fiecare sosire la gală într-o adevărată paradă haute-couture, purtând de-a lungul edițiilor rochii voluminoase de la Carolina Herrera sau creații sculpturale semnate de Iris van Herpen. Pentru iubitorii de stil și de artă, New York City Ballet Gala rămâne dovada clară că moda își atinge potențialul maxim atunci când este pusă în mișcare pe scenă.

The post New York City Ballet Fall Fashion Gala, ediția 2026 appeared first on Forbes Romania.

Cât de departe poate merge moda atunci când este atinsă de geniul unui vizionar? Răspunsul se află la Milano, unde celebrul Palazzo Reale găzduiește, între 24 septembrie 2026 și 31 ianuarie 2027, expoziția spectaculoasă intitulată „Dalí e la Moda”, un eveniment cultural important ce explorează legătura strânsă dintre stilul neconvențional al lui Salvador Dalí și universul fascinant al vestimentației, o dimensiune esențială, dar mai puțin cunoscută, a moștenirii sale artistice complexe.

de Irina Gologan

Peste două sute de piese extraordinare, precum tablouri emblematice, schițe originale, costume de epocă, bijuterii sculpturale, fotografii rare de arhivă și proiecții cinematografice, adunate în colaborare directă cu Fundația Gala Salvador Dalí, compun o incursiune detaliată în activitatea maestrului catalan. Conceptul expoziției, organizat în șase săli tematice de scenografa Judith Clark, nu propune o simplă retrospectivă istorică, ci o abordare spectaculoasă despre corp, vestimentație, iluzie optică și identitate.

Legătura lui Dalí cu lumea modei nu a fost o simplă etapă temporară, ci o preocupare constantă. Încă din anii douăzeci, influențat de prietenia cu Coco Chanel, el a privit hainele ca pe un mediu de exprimare tridimensional. Punctul culminant al acestei viziuni a fost atins alături de creatorea Elsa Schiaparelli. Colaborările lor au marcat avangarda secolului trecut, de la faimoasa rochie din mătase albă decorată cu un homar, până la pălăria în formă de pantof cu toc sau geanta în formă de telefon. Obiectele obișnuite au părăsit pânzele pictorului pentru a deveni piese vestimentare surprinzătoare pe bulevardele elegante din Paris.

Expoziția din Milano surprinde însă și episoade mai puțin cunoscute din cariera sa. Vizitatorii pot admira colecția de bijuterii realizată în anii patruzeci, rochia futuristă concepută împreună cu designerul Christian Dior pentru anul două mii patruzeci și cinci și costumele de baie conceptuale prezentate la Paris la mijlocul anilor șaizeci. În plus, ilustrațiile realizate pentru publicații internaționale precum Vogue sau Harper’s Bazaar demonstrează modul în care Dalí a influențat direct estetica presei de modă.

O secțiune centrală a expoziției milaneze îi este dedicată special Galei, pe numele ei real Elena Diakonova. Soție, muză principală și creierul strategic din spatele pictorului, Gala a fost persoana care a coordonat proiectele importante, a gestionat relațiile cu marile case de modă și și-a construit o garderobă personală devenită reper de stil. Prezența ei domină spațiul expozițional prin garderoba sa personală spectaculoasă, expusă direct publicului, și prin seria de portrete celebre realizate de Dalí.

Piesa centrală a acestei relații o reprezintă costumele croite special pentru ea, care demonstrează clar că Gala nu a fost doar un model pasiv, ci o creatoare extrem de activă a propriei imagini publice. Expoziția reprezintă o experiență esențială pentru oricine dorește să înțeleagă cum arta poate fi integrată direct în designul vestimentar, oferind vizitatorilor o perspectivă diferită asupra eleganței contemporane.

The post Salvador Dalí, maestrul fanteziei, cucerește Milano appeared first on Forbes Romania.

Cea mai scumpă stradă comercială din lume a devansat Fifth Avenue și New Bond Street, transformând Milano în capitala supremă a stilului.

De Irina Gologan

Timp de decenii, harta shopping-ului exclusivist a fost dominată de artere legendare precum Fifth Avenue din New York, Champs-Élysées din Paris sau New Bond Street din Londra. În 2026, această ierarhie istorică este spulberată de o schimbare fără precedent, iar Via Montenapoleone din Milano s-a instalat oficial pe primul loc, devenind cea mai scumpă destinație de retail de lux din lume.

Inima faimosului Quadrilatero della moda, strada milaneză a atins niveluri ale chiriilor comerciale ce depășesc 21.000 de euro pe metru pătrat pe an. Cu această valoare spectaculoasă, Montenapoleone a devansat celebrul Fifth Avenue, unde chiriile se situează la aproximativ 19.500 euro pe metru pătrat pe an, și New Bond Street, cu 18.900 euro pe metru pătrat pe an. Performanța este cu atât mai impresionantă cu cât Milano devine prima arteră europeană din istorie care cucerește locul întâi mondial în clasamentul anual al gigantului imobiliar Cushman & Wakefield.  Apetitul pentru această zonă este justificat de cifre uluitoare. Cumpărătorii internaționali înregistrează pe Via Montenapoleone un bon mediu de cumpărături de 2.500 de euro per tranzacție, cel mai ridicat din lume. În plus, un singur magazin amiral (flagship store) de pe această stradă poate genera vânzări anuale cuprinse între 50 și 100 de milioane de euro. 

Popularitatea și prețurile record ale zonei își au rădăcinile într-o combinație rară de factori urbanistici și strategii de business. În primul rând, suprafața restrânsă a zonei Quadrilatero della moda concentrează o densitate unică de case de modă. Spațiile libere sunt aproape inexistente, iar această lipsă cronică de ofertă exercită o presiune uriașă asupra chiriilor.  În paralel, conglomerate de lux precum LVMH și Kering au schimbat regulile jocului, cumpărând direct clădirile istorice de pe stradă pentru a-și securiza spațiile. Această mișcare retrage activele de pe piața liberă și ridică automat evaluările imobiliare. În plus, vizibilitatea globală adusă de Jocurile Olimpice de Iarnă din 2026 a dinamizat întreaga piață milaneză, urcând prețurile locuințelor din cartierele vecine, precum Brera sau Porta Romana, cu peste 30% în ultimii cinci ani, până la pragul de 18.000 euro pe metru pătrat. 

În timp ce Milano dictează ritmul, celelalte mari capitale ale modei își redefinesc propriile teritorii. La Paris, deși Champs-Élysées își menține chiriile mari, între 10.000 și 20.000 euro pe metru pătrat pe an, energia creativă și atracția brandurilor se mută către zone precum Rue Saint-Honoré și Le Marais, mult mai căutate de o clientelă tânără și cosmopolită.  La Londra, alături de Mayfair, cartierul Marylebone devine o alternativă de top, cu chirii ce urcă spre 20.000 euro pe metru pătrat. Peste ocean, atenția marilor case de modă se extinde din Manhattan spre enclavele din Brooklyn, precum Williamsburg și Dumbo, unde prețurile variază între 12.000 și 15.000 euro pe metru pătrat, oferind spațiul ideal pentru concepte de retail experiențial. 

Ascensiunea Via Montenapoleone nu reconfirma doar un simplu prim loc într-un top imobiliar, ci marchează o nouă eră a stilului de viață exclusivist. Cumpărăturile de lux au depășit demult stadiul de simplă achiziție, transformându-se într-o experiență culturală completă, iar Milano și-a consolidat statutul de capitală a shopping-ului de modă.

The post Via Montenapoleone: Noul epicentru al shopping-ului de lux la nivel mondial appeared first on Forbes Romania.

Held every second Sunday inside the historic former Marmorosch-Blank Bank, the brunch features a selection of elegant culinary stations: Le Marché with seafood, oysters, cheeses and charcuterie; L’Atelier with eggs and crêpes prepared to order; La Brasserie with warm French classics; Le Chariot offering carving and tableside service; and La Pâtisserie for an indulgent selection of French sweets.

At 13:30, the Champagne Bell rings, followed by a traditional sabrage ritual performed by the hotel sommelier and a celebratory toast.

Prestige Orchestra Band provides live music throughout the afternoon, creating an atmosphere inspired by the elegance of the Belle Époque.

Packages: Belle Époque – 440 RON; Grand Marmorosch – 590 RON, including sparkling wine, house wine, cocktails and Taittinger Champagne.

Children under 12 years old – 250 RON

Children under 6 years old – complimentary

Sunday | 13:00–16:00 | Grand Lobby, The Marmorosch Bucharest

Reservations: +40 371 53 31 21 or atyourservice@marmorosch.com.

The post Sunday Brunch at The Marmorosch: Le Grand Brunch de la Belle Epoque appeared first on Forbes Romania.

Lansată în parteneriat cu Royal Collection Trust, seria în ediție limitată semnată de Burberry însoțește cea mai amplă expoziție de fashion organizată vreodată la Palatul Buckingham. Deschisă anul trecut pentru a marca centenarul nașterii Reginei Elisabeta a II-a, expoziția s-a bucurat de un succes răsunător, determinând Casa Regală să o prelungească până anul acesta. 

De Irina Gologan

Această colaborare aduce un omagiu legăturii speciale de peste șapte decenii între celebra casă de modă britanică și regretata monarhă. Regina Elisabeta a II-a a purtat adesea creațiile brandului pe tot parcursul domniei sale și i-a acordat Casei Burberry prestigiosul Mandat Regal încă din anul 1955. Burberry aduce în această poveste trei piese incluse în expoziție: o pelerină de călărie cu glugă din jurul anului 2010, o factură originală pentru un palton Burberry comandat în 1966 și o eșarfă din mătase cu carouri Burberry din 2013. 

Cu ocazia centenarului nașterii suveranei, casa Burberry a lansat o colecție-capsulă dedicată, al cărei element central este un palton clasic de tip car coat prevăzut cu cordon, o croială emblematică preferată de Regină pentru activitățile în aer liber. Confecționat în atelierul din Castleford, Yorkshire, din pânză de gabardină din bumbac 100% organic în nuanță verde-ilice (holly green), paltonul integrează o țesătură din fire contrastante și este finisat cu o căptușeală din mătase organică. 

Creativitatea casei britanice se remarcă și prin dezvoltarea unei noi palete cromatice pentru celebrul carou Burberry House Check. Inspirat direct din tartanul Old Stewart purtat cândva de Regină, noul carou devine laitmotivul colecției și îmbracă discret trei piese emblematice: căptușeala fină din mătase a paltonului, un șal din cașmir țesut tradițional în Scoția și bordura sofisticată a unei eșarfe din mătase twill. 

Omagiind reședințele regale, eșarfa din mătase include o ilustrație pictată manual cu Castelul Balmoral. Colecția este întregită de o broșă eclectică placată cu aur în formă de Corgi, rasa canină preferată a suveranei. Silueta canină poartă o manta emailată decorată în carouri și este accesorizată cu o perlă de apă dulce pe care este gravat motivul Burberry Knight, alături de drapelul cu inscripția în latină „Prorsum”.

Creațiile au fost concepute în strânsă legătură cu expoziția Queen Elizabeth II: Her Life in Style, găzduită de The King’s Gallery din Palatul Buckingham, eveniment însoțit și de lansarea cărții oficiale de centenar Queen Elizabeth II: Fashion and Style. Fiind cea mai amplă expoziție dedicată garderobei regale organizată vreodată la Palatul Buckingham, aceasta parcurge zece decenii din viața monarhului. În total, aproximativ 200 de articole din garderoba Reginei sunt expuse, multe dintre ele pentru prima dată. Pe lângă articolele de îmbrăcăminte, expoziția include bijuterii, pălării, pantofi și accesorii, precum și materiale de arhivă, cum ar fi schițe de design, mostre de țesături și corespondență scrisă de mână, care oferă o perspectivă asupra procesului din spatele garderobei sale. 

Deschisă la 10 aprilie 2026, expoziția era programată inițial să se încheie pe 18 octombrie. Casa Regală a anunțat oficial că va fi prelungită cu șase luni din cauza cererii fără precedent. Astfel, publicul are ocazia să o viziteze până la 18 aprilie 2027. 

Colecția lansată oficial pe 12 martie 2026 este disponibilă pentru achiziție pe site-ul Burberry, în selecții de magazine globale, dar și în magazinele oficiale ale Royal Collection Trust din Edinburgh, Londra și Windsor, precum și prin intermediul platformei online RoyalCollectionShop.co.uk.

The post Colecția-capsulă Burberry omagiază stilul emblematic al Reginei Elisabeta a II-a  appeared first on Forbes Romania.

O mănușă încrustată cu pietre, purtată de Regele Pop la ședința foto ce a marcat ultima sa apariție publică cu un astfel de accesoriu și evaluată la 60.000 de dolari, devine atracția principală a uneia dintre cele mai prestiginoase licitații din istoria culturii pop.

De Irina Gologan

În luna decembrie, Julien’s Auctions aduce în Orientul Mijlociu o selecție rară din garderoba artistului supranumit „Regele Pop-ului”, în cadrul evenimentului „Celebrity & Culture Week”, o serie de vânzări ce reunește piese memorabile din muzică, modă, film și familii regale. Totuși, în spatele strălucirii de la hotelul Rosewood se ascund speculații intense legate de originea secretă a loturilor. 

Sesiunea intitulată Michael Jackson: The Fashion Legacy Auction este descrisă de Julien’s drept „cea mai mare și fără precedent colecție” de costume de scenă, accesorii, piese vestimentare emblematice și haine purtate în videoclipuri istorice. Alături de celebra mănușă purtată pentru revista Vibe (40.000 – 60.000 USD), pe lista loturilor-vedetă se află pantofii din videoclipul Thriller (20.000 – 40.000 USD), o jachetă Thriller purtată pe scenă în turneul Bad (30.000 – 50.000 USD) și jacheta creată de designerii Tompkins & Bush, donată de artist în scopuri caritabile către T.J. Martell Foundation (60.000 – 80.000 USD). Fiecare obiect spune povestea unei ere în care stilul lui Michael Jackson dicta tendințele la nivel global. 

Anunțul a stârnit un val uriaș de entuziasm printre colecționari și pasionații de modă, dar și o serie de întrebări inevitabile din partea experților. Întrucât catalogul integral nu a fost încă lansat oficial, proveniența exactă a obiectelor rămâne un mister intens dezbătut. Portofoliul casei de licitații include vânzarea intens comentată a colecției Michael Bush, marcată la acea vreme de controverse privind autenticitatea unor semnături, dar din care artiști precum Lady Gaga au achiziționat sute de piese valoroase. În plus, casa de licitații păstrează legături strânse cu Fondul de Administrare a Moștenirii artistului (Michael Jackson Estate). În acest context, fanii și specialiștii din industrie se întreabă dacă loturile actuale provin din colecții private ultra-exclusive, din fostul fond Bush sau direct din arhivele secrete ale Estate-ului, urmând ca doar certificatele finale de autenticitate să ofere verdictul decisiv.

Evenimentul cultural din Emiratele Arabe Unite este conceput ca un festival imersiv și vibrant, ce va aduce laolaltă reprezentanți ai muzeelor internaționale, branduri de lux și nume mari din industria divertismentului, incluzând expoziții elegante și alte două sesiuni spectaculoase. Alegerea regiunii subliniază apetitul tot mai mare al colecționarilor din Orientul Mijlociu pentru piese istorice din pop culture. 

Prima dintre licitații, Princess Diana: Influence, Fashion, & A Royal Collection, marchează cea mai mare vânzare de piese regale din istoria casei, având ca piese de rezistență rochia Catherine Walker de la gala CFDA 1995 (200.000 – 400.000 USD), mocasinii Selfridges purtați în Angola (20.000 – 30.000 USD) și cămașa Ralph Lauren din Bosnia (10.000 – 20.000 USD). 

În paralel, licitația Pop Culture Legends reunește piese încărcate de istorie ce au aparținut unor figuri legendare precum Bruce Lee (cu nunchaku-ul galben din Game of Death), scriitorul Mark Twain (o chitară istorică) și Kurt Cobain (chitară și jachetă de scenă), alături de obiecte fascinante legate de nume iconice precum Banksy, Amy Winehouse, Madonna, Eddie Van Halen și Sabrina Carpenter. Evenimentul se va desfășura în perioada 5-10 decembrie, iar sesiunile de licitație vor avea loc atât în cadrul exclusivist din Abu Dhabi, cât și online, pentru publicul global.

The post Garderoba de colecție a lui Michael Jackson, în centrul licitațiilor din Abu Dhabi appeared first on Forbes Romania.

Casa Tiffany & Co. scrie un nou capitol în istoria bijuteriei prin lansarea colecției „Bird on a Rock”, dezvăluind atât o linie de high jewelry, cât și piese de fine jewelry, ce extind legendara broșă creată de Jean Schlumberger în 1965 într-o colecție spectaculoasă.

De Irina Gologan

Această lansare aduce un aer surprinzător de proaspăt celebrei creații americane. Pasărea din diamante schițată inițial de Jean Schlumberger nu mai rămâne fixată doar pe piatra ei masivă, ci evoluează într-o poveste vizuală ancorată în stilul contemporan. De la aparițiile memorabile pe covoarele roșii de la Hollywood până la piese exclusiviste cu tanzanite hipnotice și turcoaze sculptate, noua linie reinterpretează libertatea zborului printr-un design abstract și o măiestrie artizanală desăvârșită.Proiectată pe parcursul a aproape trei ani sub direcția artistică a Nathaliei Verdeille, colecția îmbină două abordări estetice: o linie figurală, ce păstrează silueta sculptată a păsării, și o zonă abstractă, numită Wings & Feathers, dedicată exclusiv dinamismului și grației aripilor.

Născut din fascinația lui Schlumberger pentru păsările exotice observate în călătoriile sale din Asia și Caraibe, motivul original a prins viață când designerul a așezat o pasăre din diamante peste un lapis lazuli șlefuit cabochon pentru filantropa Bunny Mellon. Piesa a devenit instantaneu un obiect de dorință pentru marile doamne ale societății internaționale, fiind reluată ulterior pe acvamarin sau morganit. Dacă timp de decenii broșa a rămas o bijuterie rezervată aristocrației, ultimii ani au adus o schimbare surprinzătoare de direcție, transformând-o într-un accent indispensabil la smoking pentru actorii de top de la Hollywood.

Inima acestei selecții exclusiviste este reprezentată de un set creat în jurul tanzanitului, piatra descoperită în Tanzania în 1968 și lansată de Tiffany datorită afinității istorice a brandului pentru nuanțele de albastru. Setul reunește colier, brățară și cercei construiți în jurul a patru tanzanite de 8 până la 12 carate, montate în platină, aur galben de 18 karate, rubine și diamante. Acestuia i se alătură o suită dedicată turcoazului, gema preferată a lui Schlumberger, dar și seria Feathers, ce traduce textura fină a gulerului păsării în compoziții geometrice din platină și aur.

Latura de fine jewelry aduce o notă relaxată și extrem de purtabilă. Linia Wings reinterpretează forma aripilor în inele late, cercei candelabru fluizi și pandantive realizate din platină, aur galben și aur roz. Pentru a aduce un omagiu tehnicii lui Schlumberger de a îmbina metale nobile, piesele alternează benzi din aur și platină, iar diamantele sunt fixate fără gheare vizibile. Arhitectura fiecărui penaj este sculptată individual, permițând pieselor să se îmbine perfect la suprapunere.

Procesul de fabricație rămâne un adevărat spectacol de tehnică: o singură broșă necesită munca a peste opt artizani specializați, mai mult de 50 de ore de lucru manual și asamblarea a șapte componente distincte. Disponibilă la nivel global începând cu luna aprilie 2026 în selecția de magazine flagship Tiffany & Co., noua colecție este prezentată printr-o campanie vizuală semnată de fotografa Carlijn Jacobs, avându-le ca protagoniste pe Zhang Ziyi și Abby Champion, completată de o serie de trei scurtmetraje ce surprind universul și moștenirea acestei piese emblematice.

The post Zborul unei legende: Tiffany & Co. completează colecția „Bird on a Rock” appeared first on Forbes Romania.

Organizată de Muzeul Tate Modern din Londra în colaborare cu Museum of Fine Arts din Houston, expoziția-eveniment „Frida: The Making of an Icon” analizează modul în care Frida Kahlo (1907–1954) a devenit o figură emblematică a independenței, rezilienței și identității.

de Irina Gologan

Pentru prima dată în Marea Britanie, în ultimii 20 de ani, expoziția reunește o selecție impresionantă de lucrări: autoportrete rareori expuse se numără printre cele peste 30 de lucrări semnate de Kahlo, prezentate alături de fotografii și obiecte personale. Conceput ca o urmare a marii retrospective din 2005, proiectul așază pânzele Fridei față în față cu creațiile unor artiști moderni și contemporani.

Parcursul expozițional debutează cu explorarea modului în care Kahlo și-a construit identitatea prin pictură și stil personal. Sunt expuse autoportrete emblematice precum „Autoportret (cu rochie de catifea)” (1926) și „Autoportret cu părul despletit” (1938), care reflectă moștenirea sa mexicană, ideile feministe și trăirile legate de dizabilitate. Căsătoria ei furtunoasă cu celebrul muralist Diego Rivera i-a marcat profund viața și creația, iar aceste pânze sunt puse în dialog direct cu lucrări semnate de Rivera (Portretul Fridei Kahlo, c. 1935) și de María Izquierdo (Vis și premoniție, 1947).

Secțiunea centrală analizează legăturile cu Suprarealismul. Deși André Breton a declarat-o o „suprarealistă autodidactă”, Kahlo a respins eticheta, afirmând că își pictează propria realitate, nu visul. Lucrările sale sunt expuse alături de cele ale artistelor Kati Horna și Leonor Fini, explorând motive comune precum măștile, scheletele și universul oniric.

Această raportare la propria realitate s-a născut dintr-o biografie marcată de suferință: poliomielita din copilărie și un accident grav la 18 ani i-au provocat dureri cronice și o dizabilitate permanentă. În lunile de imobilizare, Frida a început să picteze la un șevalet adaptat, privind într-o oglindă montată pe tavan, transformându-și vulnerabilitatea într-o puternică declarație artistică și politică.

Deși numele ei a început să atragă atenția în cercurile artistice americane încă din anii 1930, recunoașterea internațională pe scară largă a venit abia decenii mai târziu. În anii ’60, mișcarea Chicana/o a transformat-o într-un simbol al rezistenței, pânze precum „Rochia mea atârnă acolo” (1933–1938) reflectând ambivalența ei față de Statele Unite și rezonând puternic în rândul comunităților de migranți.

Această sfidare a normelor sociale — vizibilă în autoportrete prin sprâncenele împreunate, mustața fină, părul scurt sau hainele masculine — este pusă în paralel cu opere ale unor artiste precum Kiki Smith, Judy Chicago, Ana Mendieta sau Mary McCartney, dar și cu creații contemporane semnate de Yasumasa Morimura, Martine Gutierrez și Berenice Olmedo.

Secțiunea finală aduce în prim-plan fenomenul comercial „Fridamania”, adunând peste 200 de obiecte de producție în masă – de la obiecte de îmbrăcăminte și suveniruri, până la produse licențiate (inclusiv celebra păpușă Barbie Frida Kahlo lansată în seria Inspiring Women).

Expoziția deschisă în vara lui 2026 își va închide porțile pe 3 ianuarie 2027.

Foto: ProfimediaImages

The post Frida Kahlo, expoziție istorică la Tate Modern appeared first on Forbes Romania.

Haideți, mai degrabă, să utilizăm conceptele minții și ale emoției, în loc să le uzăm! V-ați săturat de cât ați auzit despre Anxietate. Deprimare. Depresie. Panică. Frică. Emoții? E drept, psihologia – împreună cu întregile sale teorii – e destul de nou apărută în spații publice și sociale, mai ales pe teritorii locale. 

De Simona Macovei

Dar, chiar și așa, nu aveți, uneori, impresia că de câțiva ani terminologiile unor tulburări sau boli mentale sunt prea peste tot? Atât de mult încât presează societatea și unii oameni să aibă o opinie despre ceva ce încă nu s-a exploatat atât de mult în mod corect și constant. De ce spun asta? Sunt unul dintre primii oameni care aude asta, pentru că atunci când împărtășesc cuiva că am terminat de curând  psihologia și că voi vrea – poate, cândva – să profesez, parte din reacții se manifestă de tipul: „A, Doamne, dar ce v-a apucat pe toți?!” sau „Și tu, Brutus?”. Lucru care indică, în mod cert, în anumite grupuri, comunități, echipe, oameni, un soi de sațietate legat de toate aceste concepte, să le spunem așa. Și e pe bună dreptate, ce să mai, pentru că deschizi un social media și găsești instantaneu zeci de pagini de psihologi, terapeuți sau vorbitori motivaționali și sute de postări ale acestora, care toate folosesc aceiași mari termeni: depresie, frică, panică, anxietate și totul despre emoții, nu-i așa?

E ca atunci când asculți pe repeat o anumită melodie până n-o mai suporți și te oprești și pui pe pauză. Pe undeva pe la etapa asta pare să fie o parte din societatea noastră, undeva „pe pauză”. Sigur, pandemia – știm cu toții – a transparentizat și forțat cumva să iasă toate constructele astea măcar puțin mai în față. Și bine a făcut. Pentru că evenimentul global – pandemia – a crescut nivelul de compasiune, înțelegere și empatie – toți treceam împreună și în același timp prin același lucru, aceleași experiențe. Și, cumva, puțin cam brusc, ne-a cam dat cu reset! Iar dacă până atunci dacă oboseai, erai privit ca fiind un om slab, ori dacă aveai nevoie de timp liber pentru tine, erai privit ca fiind vulnerabil sau cum că dacă doar te gândeai să schimbi jobul – din diverse motive –, te cuprindeau fricile care te înfrânau din a te pune pe tine în topul priorităților (pentru că mulți dintre noi așa am fost crescuți), acum, aceste „dacă” devin, cu fiecare zi, altceva.

Și știți ce, constructe, termeni, diagnostice sau simple cuvinte, toate cele de mai sus au sensul lor pentru fiecare dintre noi, au propriile noastre definiții, pentru că fiecare om are cuvintele lui, preferate sau aplicate pe bagajul și creierul lui. Așadar, sătui sau nu de vorbe ale psihologiei, folosiți-le în interesul și beneficiul vostru! Fiți selectivi cu sursele de informare, adaptați-vă la propriile voastre identificări, dați-le sensul vostru și utilizați minunatul ajutor și ghid al terapiei.

Dați-vă întâlnire cu voi! Ție ți-e dor de tine? Când ai petrecut ultima oară timp cu tine, doar tu cu tine? Pe cât de dificil poate fi pentru unii dintre noi, pe atât de mare este satisfacția, pentru că vom fi investit în noi și nu oricum – cu un nou tu, mai blând cu tine!

Încă o dată: dați-vă întâlnire cu voi!

The post Prea multă psihologie, prea puțină înțelegere reală appeared first on Forbes Romania.